Eine Inszenierung ist beim Eurovision Song Contest kein nettes Extra, kein schnödes Beiwerk und nicht nur das Anhängsel eines Liedes. Eine Inszenierung ist nicht nur die B-Note, nicht nur der Schmuck, nicht nur die Dekoration eines Beitrags. Eine Inszenierung kann Augen offenhalten, Menschen bewegen und Ohren öffnen. Inszenierungen sind wirkungsvoll und mächtig.

Nie zuvor – so würde ich behaupten – hat ein Beitrag die Macht einer Inszenierung so eindrucksvoll offenbart wie „Bangaranga“ in diesem Jahr. Mit dem folgenden Text möchte ich im Rahmen unserer Rückblick-Serie „Viva Vienna“ diese Annahme erläutern und untersuchen, warum die Inszenierung von „Bangaranga“ so viele Menschen begeistert hat. Dafür habe ich auch zusammengetragen, was die beiden Choreograf*innen von „Bangaranga“, Keisha von Arnold und Fredrik Benke Rydman, zu ihrer Arbeit sagen.

Es war wohl der kometenhafteste Aufstieg der vergangenen ESC-Geschichte. Anfang März war Dara mit einem 13. Platz in die ESC-Wettquoten eingestiegen. Auch mit voranschreitender Zeit hielt sich die Bulgarin lediglich im vorderen Mittelfeld der Wettquoten auf. Und auch kurz vor dem zweiten Halbfinale schrieben die Buchmacher „Bangaranga“ keine Favoritenrolle zu und sahen den Song lediglich auf einem fünften Platz im zweiten Halbfinale. Am Finalabend zog Dara schließlich überraschend an allen vorbei und gewann den ESC mit einem enormen Abstand zum Zweitplatzierten. Dass kaum jemand Bulgariens Sieg vorausgesagt hat, lag vermutlich an zwei Gründen: Zum einen war nicht damit zu rechnen, dass sich die Jury so sehr von „Bangaranga“ begeistern lässt. Zum anderen war die Inszenierung, mit der Bulgarien schließlich angetreten ist, eine völlig andere als die, die im Vorentscheid präsentiert wurde.

Ich erinnere mich noch ganz genau daran, welche Entwicklung „Bangaranga“ bei mir durchlaufen hat. Nach dem ersten Hören habe ich das Lied zwar als modern wahrgenommen, aber als nichts wirklich Besonderes und als zu einfach gestrickt mit dem sich oft wiederholenden Wort. Als ich dann den ersten 30-sekündigen Probenclip vom letzten Refrain mit dem Tanz und dem lilafarbenen Hintergrund gesehen habe, hat es mich weggepustet und ich habe mich auf den vollständigen Auftritt gefreut. Erwartet habe ich, dass sich der gesamte Auftritt in die Richtung des letzten Refrains bewegen wird – eben eine Dance-Pop-Nummer, die mit einem gut choreografierten Tanz und flackernden Lichtern ein bisschen Stimmung macht.

Dementsprechend groß war dann die Verwirrung, die sich bei mir breit gemacht hat, als ich „Bangaranga“ zum ersten Mal in voller Länge live in der Halle bei der Probe für das Halbfinale gesehen habe. Weil ich sehr weit von der Bühne entfernt saß, konnte ich kaum etwas von den ersten zwei Minuten sehen. Ich weiß nur noch, dass ich irgendwann dachte: „Moment mal…Was ist denn jetzt los? Das ist doch eine Tanznummer… Warum sitzen die denn seit zwei Minuten in einem kleinen Räumchen?“

Die Antwort habe ich einen Tag später bei dem Halbfinale bekommen: Weil jemand eine geniale Idee hatte! Ich habe den Versuch unternommen, diese Idee zu entschlüsseln und habe drei Punkte ausgemacht, die für mich eine große Rolle dabei spielen, dass Bulgarien ganz Europa mit seinem Staging in den Bann gezogen hat:

1. Das Unerwartete

Die schwedischen Kreativdirektor*innen Keisha von Arnold und Fredrik Benke Rydman waren in diesem Jahr für das Staging von Bulgarien verantwortlich. Dem Sveriges Radio erzählten beide nach Bulgariens Sieg, dass es ihr Ziel war, etwas „completely different“ zu kreieren. Und genau das haben sie geschafft. Sie haben bewusst mit den Erwartungen des Publikums gebrochen. Die Inszenierung von Bangaranga hat das Lied gepackt und es aus der Girl-Dance-Pop-Schublade herausgezogen.

Dafür mussten die beiden Inszenator*innen über den Schubladenrand bzw. den Tellerrand hinausschauen. Sie haben sich dagegen entschieden, das Offensichtliche zutun. Offensichtlich ist zum Beispiel Feuer auf die Bühne zu stellen bei einem Lied, das „Fire“ heißt und das dann als Inszenierung zu betiteln. Das kann man natürlich machen, wird aber nicht viel Begeisterung beim Publikum auslösen. Stattdessen, so Rydman, sind die beiden Choreograf*innen ein „Risiko eingegangen“. Sie haben einen klassischen Pop-Song in einem kleinen Raum inszeniert und dabei so gut wie keinen einzigen Lichtwechsel eingebaut.

Das gesamte Setting von „Bangaranga“ sticht nicht nur aus dem ESC 2026 hervor, sondern aus der gesamten ESC-Geschichte. Es ist, als wäre man für drei Minuten in eine völlig neue Welt gezogen worden. Eine unbekannte Welt, die ihre eigenen Ästhetik und ihren eigenen Vibe hat. Neben all den Tänzer*innen, die beim ESC auf nackte Haut setzen, waren die ungewöhnlichen, hoch modernen und coolen Outfits der Tänzer*innen von Dara ein Hingucker.

Neben einer eigenen Kleiderordnung hat die „Bangaranga“-Welt auch ihre eigenen Bewegungen. Die Choreographie ist zu jeder Sekunde von Bewegungen durchzogen, die man so zumindest auf der ESC-Bühne noch nicht gesehen hat. Rydman beschreibt die Inszenierung als „earth-driven“, viel spielt sich nah am Boden ab und erklärt: „We wanted to let the dance be the effect and be the communication with the people.“

Hinzu kommen die Requisiten, die auf den ersten Blick wie Alltagsgegenstände wirken, aber mit kleinen Modifikationen dann doch wieder der unbekannten Welt angehören. So sind die Stühle unten drunter mit Lampen versehen worden und die scheinbar gewönliche Tapete dreht sich während des Auftritts. Einige Fans vermuten, dass auch die Uhr an der Wand mit einer geheimen Botschaft versehen worden ist. Denn die Uhr zeigt die Uhrzeit 01:08 an. Das ist für gewöhnlich die Zeit, zu welcher die Punktevergabe zu Ende ist und der Siegerbeitrag feststeht. Und so war es dann auch. Um kurz nach 1 Uhr stand Dara als Siegerin fest und um 01:08 Uhr hat sie ihren Siegersong noch einmal performt.

2. Drei Minuten voller Hingucker

Schon gleich zu Beginn verlangt die Inszenierung von „Bangaranga“ dem Publikum aktive Aufmerksamkeit ab. Dara steht auf dem Kopf, ihre Tänzer*innen auch, wobei eigentlich nur die Kamera auf dem Kopf steht, Dara aber nicht, ihre Tänzer*innen aber schon… Ja, es ist kompliziert und es muss erst einmal Arbeit im Kopf stattfinden – und zack, hat man das Publikum dazu bekommen, sich in den Beitrag hineinzudenken. Rydman beschreibt das mit den Worten: „It makes people lean forward“.

Dass sich die Menschen während Daras Auftritt nach vorne lehnen, dürfte auch dem geschuldet sein, dass sie gespannt darauf warten, was wohl als nächstes passiert. Denn gleich zu Beginn wird man von Dara mit großen Augen angeschaut und muss sich kurz darauf schon fragen, was in den entstellten Gesichtern der Tänzer*innen los ist. Noch bevor man diese Frage klären konnte, erwecken simple, aber geniale Übergänge der Steadicam den Eindruck einer endlosen, fließenden Bewegung.

Jetzt, wo man mit fragenden Augen auf den Bildschirm starrt, wird man mit viel Energie und wilden Bewegungen vollends in die „Bangaranga“-Welt hineingerissen, wenn die Tänzer*innen sich auf den Stühlen rauf und runter bewegen, als seien sie dem Wahnsinn verfallen. Schließlich reihen sich drei geniale Momente nahtlos aneinander, als Dara ihre Hand über den Kopf des Tänzers hält und sich Kopf und Hand zeitgleich hin und her bewegen. Weiter geht es damit, dass sich alle zusammen wie versteinert umdrehen, um im nächsten Moment Tanz-Moves im Sitzen rauszuhauen, die einem die Sprache verschlagen. Und so geht es weiter und weiter… Ein genialer Move nach dem anderen. So viele Momente der drei Minuten sind eindrucksvoll und bemerkenswert. Sei es der Stuhlkreis, der zum Leben erwacht, der irre Blick des Tänzers mit dem braunen Hemd oder die vor Dynamik explodierende Schlusssequenz.

Zu jeder Sekunde passiert etwas Neues, etwas Unerwartetes. Gespannt wartet man darauf, welche Handbewegung, welche Pose, welcher Blick wohl als nächstes folgt. Fünf Personen sind drei Minuten lang ununterbrochen in Bewegung. Dabei ist nichts vorhersehbar, aber alles folgt einem roten Faden. Und auch wenn es der Titel des Liedes vermuten lassen würde, endet diese extrem dichte Taktung an Eindrücken nicht in einem Chaos. Es gibt kein Requisiten-, Licht- oder Prop-Overload. Die Bühne ist im Grunde leer. Es gibt keine ausladenden Kostüme mit 7.001 Swarovski-Steinen und es gibt keine zu hektischen Posen oder Kamerafahrten. Nichts ist chaotisch und doch ist alles chaotisch. Alles folgt einer klaren Struktur und doch schreit die ganze Inszenierung „CHAOS, AUFRUHR, CRAZINESS!“

3. Die perfekt in Szene gesetzte Dara

Dass nach dem Auftritt jeder und jedem klar war, was die Aussage des Songs ist, hat nicht zuletzt ganz viel mit Dara selbst zu tun. Zwar haben Choreografie, Setting und die Tänzer*innen eine große Strahlkraft, aber trotzdem hat man es geschafft, Daras Individualität und besondere Ausstrahlung nicht untergehen zu lassen. Das liegt natürlich zum einen daran, dass Dara einen Charme hat, der alles andere überstrahlt.

Das liegt aber auch daran, dass Dara genug Raum gegeben wurde, ihr eigenes Ding zu machen. Immer wieder freut man sich, wenn Dara auch allein vor der Kamera steht und das Publikum mit ihrer alles einnehmenden Mimik gefangen nimmt. In dem Podcast „I’m Sorry Zero Points“ verrät Rydman, welcher Moment sein Lieblings-Part der „Bangaranga“-Inszenierung ist. Er nennt den Moment nach dem ersten Refrain, in dem Dara ihre beiden Hände voreinander an die Nase hält und ihre Finger schnell bewegt, also die Gestik, die typischerweise kleine Kinder machen, wenn sie jemanden ägern wollen. Rydman erklärt, dass dieser Moment den Zuschauenden das Gefühl vermittelt, dass Dara gerade tun und lassen kann, was sie will und dass sie „Bangaranga“, also das Chaos in Person, ist.

Insgesamt hat es die bulgarische Delegation zusammen mit Keisha von Arnold und Fredrik Benke Rydman geschafft, einen mittelguten bis guten Song zu einem wahren Gewinnersong weiterzuentwickeln. Mit einer hochgradig kreativen, modernen und hochwertigen Inszenierung haben sie es geschafft, „Bangaranga“ von einem Girl-Pop-Song zu einem ungewöhnlichen Banger zu machen, einen dreiminütigen Kurzfilm zu erschaffen, der ganz Europa in seinen Bann zieht und eine Performance um Dara herum zu kreieren, die ihre besondere Energie aufnimmt und die Sängerin perfekt in Szene setzt.

Findest Du, dass die Inszenierung von „Bangaranga“ den Song noch einmal verbessert hat? Und welche andere ESC-Inszenierung hat Deiner Meinung nach in diesem Jahr den dazugehörigen Song noch einmal auf ein neues Level gehoben? Schreib uns Deine Meinung gerne in die Kommentare.

In unserer Reihe Viva Vienna bereits erschienen:

• (1) Die schönsten Wien-Bilder der Blogger*innen
• (2) Mein erster Eurovision Song Contest vor Ort
• (3) Wie war Wien als Gastgeberstadt 2026?
• (4) Das „Eurovision at 70“-All-Star-Medley beim ESC 2026 in Wien – ein neuer Klassiker
• (5) ESC 2026 in Wien: All My Life for a Night Like
• (6) Tagebuch ESC 2026: Mini-Storys aus meiner Zeit in Wien
• (7) Bevor wir heimgehen … Sechs Nächte im Euroclub
• (8) Zero points – Wie nah dran Sarah Engels, Essyla und UK an Televotingpunkten waren
• (9) Machen die neuen Jury-Regeln das ESC-Endergebnis unvorhersehbar?
• (10) Zu viel Drama, zu wenig Bangaranga? Warum die Favoriten 2026 scheiterten
• (11) So haben sich Juryvoting und Televoting beim ESC 2026 unterschieden
• (12) Eigentlich nur ESC – Ein Reisebericht zu meinem ersten ESC vor Ort
• (13) Deutschlands erstes ESC-Jahr unter Federführung des SWR – Die ultimative Bilanz

Diese Rückblickserien auf die letzten fünf Ausgaben des Eurovision Song Contest sind bereits erschienen:

• Bye Bye Basel: Unser Rückblick auf den ESC 2025
• Malmö Memories: Unser Rückblick auf den ESC 2024
• Leaving Liverpool: Unser Rückblick auf den ESC 2023
• Torniamo a Torino: Unser Rückblick auf den ESC 2022
• Replay Rotterdam: Unser Rückblick auf den ESC 2021
• Talking Tel Aviv: Unser Rückblick auf den ESC 2019